Portrait: Julie Monot

Julie monot,
artist

November, 13th 2020

ENG

Julie Monot graduated with a BA in Visual Arts at the HEAD of Geneva (2017) and an MA in Visual Arts at ECAL Lausanne (2019). Her artistic practice moves between different mediums such as performances, installations, sculptures and videos. Her research focuses on, among other things, the borderline zones of bodily exteriority and its modes of representation. The notion of the figure is part of her specific interests, for its polysemic and vigour characteristics, but above all because it allows a figurative and critical space on our social constructions. Accessories of transformation, costumes, prosthesis, corporal "furnitures” and objects related to this praxis are part of her daily reflections.
Since 2020 her work has been featured in the Archive section of Contemporary Attitude.

ITA

Julie Monot si è laureata in Arti Visive presso la Scuola d’Arte e Design HEAD di Ginevra (2017) e ha conseguito un Master in Arti Visive presso l’Università di Arte e Design ECAL di Losanna (2019). La sua pratica artistica si muove tra i diversi media della performance, installazione, scultura e video. La sua ricerca si concentra, tra le altre cose, sulle zone di confine dell'esteriorità corporea e sulle sue modalità di rappresentazione. La nozione di figura rientra nei suoi interessi specifici, per le sue caratteristiche polisemiche e soprattutto perché permette di aprire uno spazio figurativo e critico sulle nostre sovrastrutture sociali. Accessori di trasformazione, costumi, protesi, appendici corporee come "mobili" e oggetti legati a questa prassi fanno parte delle sue riflessioni quotidiane.
Dal 2020 il suo lavoro è documentato nella sezione Archivio di Contemporary Attitude.

https://contemporaryattitude.com/Julie-Monot

ENG

LZ: What are the roles of costume and body-painting in your performative practice?

JM: I believe that I have a specific view of the idea of body, which I consider as an interface of our social interactions. Bodies can speak by their appearance and their covering, one could speak of a Goffmanian approach. For me the costumes and the make-up are tools that I use in order to be able to recompose and liberate the bodies so that they can become something else through their plasticity.

IT

LZ: Quali ruoli assumono il costume e la pratica del body-painting nel tuo lavoro performativo?

JM: Credo di avere una visione specifica dell'idea di corpo, che considero come un'interfaccia delle nostre interazioni sociali. I corpi possono parlare in virtù del loro aspetto e del loro rivestimento; si potrebbe definirlo un approccio goffmaniano.
I costumi e il trucco sono strumenti che uso per poter ricomporre e liberare i corpi in modo che possano diventare qualcos'altro attraverso la loro plasticità.

ENG

LZ: In traditional Anglo-Saxon theatre “Green Room” is a dressing room for artists, a place to wait before entering the stage. You named Green Room one of your last projects, for which you produced over 15 anthropomorphic sculptures, as well as a series of scenographic devices. How did it work, and what is your relationship with theatre?

JM: For this project, I was invited as a visual artist by Arsenic/Lausanne and Élise Lammer to work in a place dedicated to the performing arts. I wanted to propose an installation that can be activated by a performance, but which could also be visited like an exhibition over a longer period of time. I worked on the idea of a dressing room, because it is a place of transition between the intimate and the public, but also a space of transformations, a subject that is very dear to me. To do so, I imagined and created 17 characters defined by overall costumes. During the vernissage, for 4 hours, they were like inhabitants of this dressing room who activate the installation with their presence and performance. Then the costumes returned to their initial place in the scenography in order to become artworks again.
In a way, the term "Green Room" allowed me to invent a setting that had to do with a certain theatricality, a kind of shift that gave rise to the emergence of the plasticity of the figures proposed but without them actually being in play.

IT

LZ: Nel teatro tradizionale anglosassone l’espressione "Green Room" indica un camerino per artisti, un posto dove aspettare prima di entrare in scena. Hai intitolato Green Room uno dei tuoi ultimi progetti, per il quale hai prodotto oltre 15 sculture antropomorfe, insieme a una serie di dispositivi scenografici. Come era stato concepito questo progetto e qual’è la tua relazione con il teatro?

JM: Per questo progetto sono stata invitata come artista visiva da Arsenic/Lausanne ed Élise Lammer a lavorare in un luogo dedicato alle arti performative. Volevo proporre un'installazione che potesse essere attivata da una performance, ma che potesse anche essere visitata come una mostra per un periodo di tempo più lungo. Ho lavorato sull'idea del camerino, perché è un luogo di transizione tra l'intimo e il pubblico, ma anche uno spazio di trasformazioni, tema a me molto caro. Per fare questo, ho immaginato e creato 17 personaggi definiti da costumi interi. Durante il vernissage, per 4 ore essi sono stati come gli abitanti di questo camerino, attivando l'installazione con la loro presenza e la loro performance. Poi i costumi sono tornati al loro posto iniziale all’interno della scenografia, per diventare di nuovo opere d'arte.
In un certo senso, il termine "Green Room" mi ha permesso di inventare un'ambientazione che avesse a che fare con una certa teatralità, una sorta di spostamento che ha fatto emergere la plasticità delle figure proposte, senza che queste fossero effettivamente in gioco.

ENG

LZ: Your figures draw on a post-surrealist imagery, where high and low culture merge together. What are your main sources of inspiration?

JM: It is precisely the idea of mixing that pushed me to find references of different nature. There are memories of my first encounters with art, for example, René Magritte and those clouds, but also the work of the artist Niki de Saint Phalle whom my mother loves so much. Then it's quite instinctive, pop culture, cinema, fashion and contemporary artists that I admire. The ensemble is dissonant but it forges an imagination that allows me to dissociate myself from reality and an idea of hierarchy.
This horizontality gives me great latitude.

IT

LZ: I tuoi personaggi attingono ad un immaginario post-surrealista, dove cultura alta e cultura bassa si fondono insieme. Quali sono le tue principali fonti di ispirazione?

JM: È proprio l'idea di mescolare che mi ha spinto a trovare riferimenti di natura diversa. Ci sono i ricordi dei miei primi incontri con l'arte, per esempio René Magritte con quelle nuvole, ma anche il lavoro dell'artista Niki de Saint Phalle, che mia madre ama tanto. Poi si tratta di un processo piuttosto istintivo, cultura pop, cinema, moda, gli artisti contemporanei che ammiro: l'insieme è dissonante ma forgia un'immaginazione che mi permette di dissociarmi dalla realtà e da un'idea di gerarchia.
Questa orizzontalità mi dà una grande libertà di movimento.

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