Portrait: Roland Barth

ROLAND BARTH,
ARTIST

September, 25th 2021

ENG

Roland Barth (1983, Berlin) studied Textile and Surface Design at the Weißensee Academy of Fine Arts in Berlin. In 2005 became interested in screen printing and since then he has developed numerous collaborations with various screen printing laboratories, including Pony Pedro and Fleischeri/ Czentrifuga. In 2010 he founded MehrSiebdruck, a screen-printing laboratory in the Wedding district, occupying himself with both commissioned screen prints and his own projects in the field of graphic art and artist’s books.
In 2016 his research led him to define an experimental and individual style of “screen painting” by using the blade and mesh screen as his main tools. In the most recent works, the dialogue between screen printing and painting is intensifying, in a continuous becoming of colors and shapes.
Among his exhibtions: Inside Lottozero (Prato, 2016); Das ist eigentlich Alles, solo show, (Berlin, 2018), Gravur (e) Paris Berlin (Berlin, 2020) and Aufgeblasen (Berlin, 2020).

ITA

Roland Barth (1983, Berlino) ha studiato Textile e Surface Design alla Weißensee Academy of Fine Arts di Berlino. Comincia ad interessarsi alla serigrafia nel 2005, da allora ha sviluppato numerose collaborazioni con vari laboratori di stampa serigrafica, tra cui Pony Pedro e Fleischerei/Czentrifuga. Nel 2010 fonda MehrSiebdruck, un laboratorio di stampa serigrafica nel quartiere di Wedding a Berlino, occupandosi sia di stampe su commissione che di progetti in proprio, nel campo della grafica d'arte e del libro d'artista.
Nel 2016 ha intrapreso una ricerca che lo ha portato a definire, con il termine Screenpainting, un personale linguaggio pittorico che si avvale degli strumenti propri della stampa serigrafica, come la racla e il telaio serigrafico. Nei lavori recenti il dialogo tra la serigrafia e la pittura si intensifica, in un continuo divenire di forme e colori.
Tra le mostre a cui ha preso parte: Inside Lottozero (Prato, 2016); Das ist eigentlich Alles, personale, (Berlino, 2018), Gravur (e) Paris Berlin (Berlino, 2020) e Aufgeblasen (Berlino, 2020).

http://rolandbarth.com

ENG

LZ: Your artistic research is mainly based on screen printing, a printing technique that allows the color to pass through a polyester fabric filter. In your case, the frame is not impressed, thus allowing the color to pass over its entire surface. During this practice, several elements affect the final result: the immediacy of the gesture that outlines a form, the unpredictability of the sign that remains imprinted on the paper and, therefore, the effective lack of control by the artist. What prompted you to choose screen printing as a technique for making your works, rather than painting? What relationship does the work have with the tools that generate it?

RB: I started to print more than 15 years ago and ever since screenprinting materials are my weapons of choice.
I consider my present works being paintings more than prints. Combining acts of painting and printing not only creates a very interesting interaction of typical characteristics from both fields but brings out its very own appearance. By transferring the complexity of a painting through a screen I condense its haptic nature into a two-dimensional surface. I consider this effect to be a disturbance of visual habits. Neither my works are necessarily related to screen printing nor are they recognized to be painted. They become something of their own. For me, that is a very interesting and motivating feature.

IT

LZ: La tua ricerca artistica si fonda principalmente sulla serigrafia, una tecnica di stampa che permette al colore di passare attraverso un filtro in tessuto di poliestere. Nel tuo caso il quadro da stampa non viene inciso, lasciando così passare il colore su tutta la sua superficie. Durante questa pratica, diversi elementi vanno ad incidere sul risultato finale: l’immediatezza del gesto che subito delinea una forma, l’imprevedibilità del segno che rimane impresso sulla carta e, dunque, la mancanza effettiva di un controllo da parte dell’artista. Cosa ti ha spinto a scegliere la serigrafia come tecnica di realizzazione dei tuoi lavori, piuttosto che la pittura? Che relazione intrattiene la forma dell’opera con lo strumento che la genera?

RB: Ho iniziato a stampare più di 15 anni fa e da allora gli strumenti della serigrafia sono le “armi” che mi sono scelto.
Considero i miei lavori attuali come dipinti più che come stampe. La combinazione di pittura e stampa non solo crea un'interazione molto interessante di fattori tipici di entrambi i campi, ma fa emergere un aspetto del tutto nuovo. Trasferendo la complessità di un dipinto attraverso un quadro da stampa condenso la sua natura in una superficie bidimensionale. Ritengo che questo effetto sia come un disturbo delle abitudini visive.
Né i miei lavori sono necessariamente legati alla serigrafia né sono riconosciuti come dipinti. Diventano qualcosa di autonomo. Per me questo è un aspetto molto interessante e stimolante.

ENG

LZ: Looking at your works, a strong sense of space construction is evident. The shapes and colors that intersect on the sheet seem to constantly seek a compositional balance. How do you behave with the white space of the support before even intervening with the color? What relationship does the compositional balance have with that quid of unpredictability and lack of control provided by your personal interpretation of the screen printing technique?

RB: Composing is in fact a very significant part to me. Depending on how explicit my initial idea for a painting is I follow different concepts of setting up a basic composition. Small drawings, collages or photoshop previews can be valuable templates. Works consisting of only one layer demand a clear vision and an efficent organization. Very often however I start “cracking” the empty space with instinctive gestural moves from which the painting evolves. Based on constant artistic research of connections between materials and movements, I have established my methods of work and a growing stack of effects and techniques. Confronting myself with those spontaneous outsets I start to form the composition layer by layer. The progress turns into an interplay between order and chaos and the pursuit to structure coincidences. These very coincidences are hereby desired and evaluated after every change made in the process. To perceive a final valid aesthetic result is the challenge.

IT

LZ: Osservando le tue opere, appare evidente un forte senso di costruzione dello spazio. Le forme e i colori che si intersecano sul foglio sembrano ricercare costantemente un equilibrio compositivo. Come ti comporti con lo spazio bianco del supporto prima ancora di intervenire col colore? Che relazione intrattiene l’equilibrio compositivo con quel quid di imprevedibilità e di mancanza di controllo previsto da questa tua personale interpretazione della tecnica serigrafica?

RB: La composizione è infatti una parte molto importante per me. A seconda di quanto sia esplicita la mia idea iniziale di un dipinto, seguo diverse modalità di impostare una composizione basilare. Piccoli disegni, collage o anteprime di Photoshop possono essere modelli preziosi. I lavori composti da un solo strato richiedono una visione chiara e un'organizzazione efficace. Molto spesso però inizio a "spaccare" lo spazio vuoto con movimenti gestuali istintivi da cui il quadro comincia a evolversi. Sulla base di una costante ricerca artistica di connessioni tra materiali e gesti ho trovato i miei metodi di lavoro e un quantitativo crescente di effetti e tecniche. Confrontandomi con queste partenze spontanee inizio poi a dare forma alla composizione strato per strato. L’avanzamento del lavoro si trasforma in un gioco tra ordine e caos e nella ricerca di dare una struttura alle coincidenze. Queste stesse coincidenze che sono sia desiderate sia valutate dopo ogni cambiamento fatto nel processo. La sfida è percepire un risultato estetico finale valido.

ENG

LZ: Let’s focus on your last works. Unlike the first ones, which suggest a more immediate and more instinctive approach, in the most recent works the making process becomes more complex because the various layers gradually overlap according to different rhythms. Can you tell us more about the development of your artistic research in the latest works? What importance has taken for you the construction of the work in a procedural perspective, through separate steps? Finally, what is the relationship between the initial Screenpaintings and the more recent ones? Are they independent from each other or do we witness a constant dialectic?

RB: The Screenprinting series in 2016 is the result of an attempt to see how much complexity I can put in a one-layer print. The erratic outcomes of experimentation became the most fascinating parts of my work back then. I began focussing on repeatable methods and styles and utilized them in compositions more deliberately. Decreasing unpredictability led me to a gradual development of my paintings in which the confrontation with the unfinished state forced me to construct more conceptually. Immediate and intuitive actions could be adjusted or completed by monochrome overlaps and space restructured. Decisions in the procedure depend on a highly intuitive act. I enjoy staring at half-done paintings and challenge myself to work or “peel” out a final composition. I perceive this process as a substantial part of my personal artistic evolution. I also see my present work tightly connected to the early paintings. Not only do I still appreciate testing new ideas by producing one-layer prints, but I also consider the reused effects based on my painting techniques as a signature to my work.

IT

LZ: Soffermiamoci sui tuoi ultimi lavori. A differenza dei primi, che lasciano intendere una maggiore immediatezza e un approccio più istintivo, nelle opere più recenti il processo di realizzazione sì fa più complesso, poiché i vari strati mano a mano si sovrappongono secondo ritmi diversi. Puoi parlarci meglio dello sviluppo della tua ricerca artistica nelle ultime opere? Che importanza ha assunto per te la costruzione del lavoro in un’ottica processuale, attraverso passaggi separati?
Infine, che rapporto esiste tra gli Screenpainting iniziali e quelli più recenti? Gli uni sono indipendenti dagli altri o si assiste a una dialettica costante?

RB: La serie Screenpainting del 2016 nasce dal tentativo di vedere quanta complessità può esserci in una stampa ad uno solo strato. I risultati erratici della sperimentazione sono diventati le parti più affascinanti del mio lavoro in quel periodo. In seguito ho iniziato a concentrarmi su metodi e stili replicabili, utilizzandoli nelle composizioni in maniera più consapevole. La diminuzione della componente di imprevedibilità mi ha portato ad uno sviluppo graduale dei miei dipinti in cui il confronto con lo stato di non-finito mi ha costretto a costruire più concettualmente. Azioni immediate e intuitive potevano essere sistemate o completate da sovrapposizioni monocromatiche e spazi riorganizzati. Le decisioni nella procedura dipendono da un atto altamente intuitivo. Mi piace osservare i quadri rimasti a metà e sfidare me stesso a lavorare o “spellare” una composizione finita. Percepisco questo processo come una parte sostanziale della mia evoluzione artistica personale. Vedo anche quanto il mio lavoro attuale sia strettamente connesso ai primi dipinti. Non solo mi piace ancora testare nuove idee producendo stampe a un solo strato, ma considero anche gli effetti riutilizzabili, basati sulle mie tecniche pittoriche, come una cifra del mio lavoro.

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