Eva di franco,
designer
September, 17th 2020
ENG
Eva di Franco is a fashion designer and professor based in Florence. After graduating in Fashion design, she studied and worked in Japan and London, where she started defining her approach to the project and shaping her style. In 2014 she returned to Italy and founded the homonymous brand E V A D I F R A N C O: a timeless wardrobe with a minimal design that experiments new approaches to clothing and carries out a deep research on fabrics. The experimental capsules are accompanied by a CARRYOVER collection: basic items available all year long. Two years ago she started collaborating with performers for the creation of stage costumes.
ITA
Eva di Franco è una fashion designer e docente di moda che vive e lavora a Firenze. Dopo alcune importanti esperienze lavorative e di studio in Giappone e Londra, fondamentali per definire il suo approccio al progetto e il suo stile, nel 2014 torna in Italia e fonda l'omonimo brand E V A D I F R A N C O: un guardaroba senza tempo dal design minimale che sperimenta nuovi approcci all'abbigliamento e utilizza tessuti frutto di un'attenta ricerca. Le capsule sperimentali sono accompagnate da una collezione di CARRYOVER, capi basici disponibili tutto l'anno. Da due anni collabora con performer alla creazione di costumi di scena.
ENG
LZ: Your garments are characterized by minimal aesthetics and soft shapes, that are the results of a deep study on the pattern, that reduces waste to the minimum. How do you integrate creative research, style and sustainability into your work?
EDF: My design research always starts from different suggestions, details or atmospheres that are the result of my curiosity and look at what surrounds me, from different perspectives. I interpret these stimuli with an approach that is rooted in fashion as design practice, where material, shape and color give life to a garment that has its own "dignity" regardless of the body, but establishes an intimate relationship with it. Form is essential to me and I dedicate the most of my research on it: starting from non-traditional, but geometric and sometimes modular bases, I create garments that stylistically approach the “Japanese school”. I tend to a minimal design: reducing cuts and seams to the minimum allows me to enhance the fabric and its two-dimensionality, emphasizing the shape that it naturally acquires in contact with the body. To me, sustainability is the result of a well thought design practice in all its aspects, from the choice of materials, often recycled or from stocks, to the production, that takes place inside my studio or with the support of small local tailors. Even the customer experience is integrated with this vision: my goal, indeed, is to create timeless garments that don’t follow seasonal trends. Lastly, the possibility of wearing the garment in different ways is essential in my work: thanks to the use of details such as belts, elastic bands and coulisses I offer more alternatives in a single garment. Sometimes I feel the need to detach myself from this design practice to create unique, more elaborate and aesthetically striking pieces.
IT
LZ: I tuoi capi si contraddistinguono per l’estetica minimale e le forme morbide, frutto di un profondo studio sul cartamodello che riduce al minimo gli sprechi. Come si integrano nel tuo lavoro ricerca creativa, linguaggio stilistico e sostenibilità?
EDF: La mia ricerca progettuale parte sempre da suggestioni diverse, dettagli o atmosfere frutto della mia curiosità e sguardo su ciò che mi circonda, da prospettive sempre diverse. Interpreto questi stimoli con un approccio che affonda le radici nella moda vista in primo luogo come design, dove materiale, forma e colore danno vita al capo, che per me ha una sua “dignità” indipendentemente dal corpo, ma che con esso instaura un rapporto intimo. La ricerca sulle forme per me è fondamentale e dedico molto tempo al suo studio. Partendo da basi non tradizionali, ma geometriche e a volte modulari, creo capi che stilisticamente si avvicinano alla “scuola giapponese”. Tendo ad un design minimale, dove l’essenzialità di tagli e cuciture mi permette di valorizzare il tessuto e la sua bidimensionalità, dando risalto alla forma che acquisisce naturalmente a contatto con il corpo. Per me la sostenibilità è il risultato di una pratica progettuale ben pensata in tutti i suoi aspetti, dal materiale, spesso di riciclo o di stock, alla realizzazione, che avviene interna allo studio o col supporto di piccole sarte locali. Anche la fruizione del cliente si integra con questa visione perché l’obiettivo è creare un capo che si allontana dai trend stagionali e mira ad avere un posto nei timeless pieces del guardaroba. Infine, la possibilità di “abitare” il capo in maniera sempre diversa, grazie all’utilizzo di dettagli come cinture, elastici e coulisses è parte integrante del mio lavoro, offrendo più alternative in un capo solo. A volte sento l’esigenza di staccarmi da questa pratica progettuale per creare dei pezzi unici, più elaborati e d’impatto estetico.
ENG
LZ: As an independent fashion designer what are the critical issues you encounter in your work and what changes do you hope to see in the industry?
EDF: The biggest criticality is certainly the distribution network in physical stores. For small independent designers like me it is difficult to sell in traditional stores they rarely present younger and experimental brands and when they do, they offer an account-sale relationship. Personally, I’ve also had bad experiences, for example stores that didn't pay after selling my clothes. I think that relying exclusively on account-sale is a financial suicide for small designers.
Another critical point, I think, is the price. In clothing, the high mark-up charged by retailers, which in turn have increasingly large expenses, means that the customer has a final price that is often too high, while designers can barely pay their work. Fortunately, other digital and physical channels are opening up, outside the traditional circuits. In my opinion, the future is B2C, eliminating everything in between designer and end-customer: to go back to a more direct, human and conscious relationship between those who create and those who buy.
It must be said that the fashion system for some years now is going through a period of profound change, accelerated by the COVID pandemic. I believe that this will slowly lead to a new structure, thanks also to the push of new generations and technologies.
IT
LZ: Come designer di moda indipendente quali sono le criticità che incontri nel tuo lavoro e quali cambiamenti ti auspichi nel settore?
EDF: La maggiore criticità è sicuramente la rete distributiva nei punti vendita fisici. Per noi piccoli designers indipendenti è difficile vendere nei negozi, che raramente propongono brand più giovani e sperimentali, e quando lo fanno offrono un rapporto di conto-vendita. Personalmente ho avuto anche brutte esperienze, negozi che non pagavano dopo aver venduto i capi. Ad oggi penso che fare esclusivamente conto-vendita sia un suicidio finanziario per noi piccoli designers.
Un altro punto critico, sempre nell’ambito commerciale, credo sia il prezzo. Nell’abbigliamento il ricarico fatto dai negozi, che a loro volta hanno spese sempre più ingenti, fa sì che il cliente abbia un prezzo finale spesso troppo alto, mentre al designer spetta un guadagno dove si rientra a stento. Per fortuna la situazione si sta sviluppando su altri canali, digitali ma anche fisici, fuori dai circuiti tradizionali. Il futuro è il B2C, eliminare tutto ciò che è in mezzo tra designer e cliente finale: tornare ad un rapporto più diretto, umano e consapevole tra chi crea e chi acquista.
C’è da dire che il sistema moda da un po’ di anni a questa parte sta attraversando un periodo di profondo cambiamento, accelerato dalla pandemia COVID. Credo che questo porterà lentamente ad un nuovo assetto, grazie anche alla spinta delle nuove generazioni e tecnologie.
ENG
EDF: Beside being a designer, you teach Fashion Design at some universities. What do you think are the fundamental knowledge and skills for future fashion designers and how do you transmit them?
First of all curiosity, which feeds the creative flow. Mental flexibility helps to capture new aspects of a given context. Commitment, dedication and perseverance are equally important: our work, like many others, needs a particular internal fire, which must be taken care of and protected. Cultivating interest in other creative field, such as design, architecture, photography or music, helps developing a healthy creative mind. And let’s not forget studying! History of costume, folklore and knowledge of traditional clothing and fashion history, I believe, are essential in the training of a designer who wants to be called such. As well as research and study of vintage and military garments, that teach us a lot from a technical point of view. Learning aesthetic and stylistic languages of other historical periods and places leads to a conscious design, cultured, full of meaning. The most common mistake is to expect immediate results, not to devote yourself to a path that is full of hard work and disappointments...but also many satisfactions! The contemporary fashion scene offers us many examples that I find negative from a professional point of view, brands created by professionals in marketing and business that often do little o no research at all!
I transmit these principles to my students in a very spontaneous and genuinely passionate way, activating an exchange where I try to give everything I learned in my professional life, receiving in exchange fresh and always different stimuli. Sometime it also happens that we establish professional collaborations, this is the greatest satisfaction to me!
IT
LZ: Oltre che designer sei docente di Fashion Design in alcune università. Quali pensi siano le conoscenze e competenze fondamentali per i futuri progettista di moda e come le trasmetti?
EDF: Prima di tutto la curiosità, che alimenta il flusso creativo. La flessibilità mentale aiuta a cogliere aspetti sempre nuovi di un determinato contesto. Impegno, dedizione e costanza sono altrettanto importanti, il nostro lavoro come tanti altri ha bisogno di un particolare fuoco interno, che va curato e protetto. L’interesse verso altre discipline, come il design, l’architettura, la fotografia o la musica, aiutano a formare una “sana” mente creativa .
Non dimentichiamoci dello studio! La storia del costume, il folklore e la conoscenza degli abiti tradizionali e della storia della moda sono a mio avviso fondamentali nella formazione di un designer che vuole farsi chiamare tale. Così come la ricerca e lo studio di capi vintage e militari, che ci insegna molto da un punto di vista tecnico. Approfondire linguaggi estetici e stilistici di altri tempi e luoghi porta ad una progettazione consapevole, colta, densa di significato. L’errore più comune è volere tutto subito, non dedicarsi pienamente a un percorso che è ricco di fatiche, delusioni ma anche molte soddisfazioni. Il panorama della moda contemporaneo ci propone molti esempi che per me sono negativi da un punto di vista professionale: brand che nascono sempre di più da professionisti in marketing e business, che spesso relegano in secondo piano o ignorano completamente la ricerca sul capo.
Trasmetto questi principi ai miei studenti in maniera molto spontanea e genuinamente appassionata, attivando uno scambio dove cerco di dare tutto ciò che accumulo nella mia vita professionale, ricevendo in cambio stimoli freschi e sempre diversi. Capita anche che si instaurino collaborazioni professionali e, quando succede, per me è la soddisfazione più grande!
